This Imagined Spinning Skyscraper Offers Everyone Sky-High 360° Views

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Industrial designer Shin Kuo offers his solution to class conflict—not with regards to education or income, but to who has the best view.

Dubbed “Turn to the Future,” the ambitious spinning skyscraper concept features a building with units that rotate at predetermined times, giving everybody a 360-degree view of the city. The structure would showcase apartments sliding on a spiral rail around a central pillar. Each home’s gas and electric lines would automatically detach before moving and reattach in new ports at its destination to avoid fire issues, and each front door would lock before repositioning. Once the apartment reaches the bottom of the spiral, it would be whipped back up to the very top of the building by a crane.

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“Urbanization has become a big trend in the world,” Kuo tells The Atlantic’s City Lab. “Because of that, buildings will become higher and higher, and more and more people who live in the lower floors of buildings will get their views blocked. Based on the results from both the Asian and the American market research, there is a [difference] in sales or rental prices between the lower floor units and higher floor units in the same building. In the future, all the top floors of buildings will be owned by people with very high incomes and the middle to lower income people will only have a limited view from their living spaces.”

Eco-conscious folks will be pleased to know that the design incorporates solar panels and a regenerative braking system—not to mention amusement rides.

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Fuente: hauteresidence.com

Firma Gerencia RED

Casa prefabricada: puede producir más energía de la que consume

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El especialista en edificios modulares ArchiBlox ha presentado su prototipo de una vivienda compacta carbono-positiva, con “muros de jardín comestible”, un solarium y un techo de pasto aislante.

Descrito por ArchiBlox como la primera casa prefabricada carbono-positiva del mundo, la vivienda Archi + Carbono Positiva está diseñada para producir más energía que su consumo – y a lo largo de su vida útil se espera que ofrezca los mismos beneficios ambientales que 6,095 árboles nativos australianos.

“Las casas Archi+ Carbono Positivas harán contribuciones significativas a la sociedad, abordando los crecientes niveles de emisiones de carbono y los altos niveles de energía incorporada que vienen con la construcción de una vivienda estándar”, indicó la compañía.

“Estos hogares le darán a nuestros clientes la oportunidad de librarse de líneas de vida modernas en una casa que se ha desarrollado gracias a la colaboración de diversas sensibilidades de diseño y nuevas tecnologías con empresas de ideas afines”, dijeron los arquitectos.

El prototipo de una sola planta se ha instalado en el City Square de Melbourne. Detrás de la fachada acristalada, una terraza solarium ocupa todo el ancho del edificio, creando una zona de amortiguación entre el exterior y las salas de estar.

Diseñado hacia el norte, esta sala crea una bolsa de aire caliente que ayuda a aislar el interior durante los meses fríos de invierno, pero también protegerá las principales espacios vitales a partir de la dura luz solar en verano. ArchiBlox lo llama el “pulmón de la casa”.

En la parte trasera del espacio, un muro está cubierto de macetas que los residentes pueden utilizar para hacer crecer sus propias hierbas y verduras.

Las plantas herbáceas cubren el techo del edificio, ofreciendo una capa de aislamiento. ArchiBlox también especificó la adición de tubos frescos soterrados, diseñados para crear una ventilación de flujo cruzado al extraer el aire por el suelo en el lado sur de la casa y emitiéndolo a través de las ventanas del triforio orientadas al norte.

Las espacios vitales han sido organizados para ser lo más compactos posibles. Una combinación de sala de estar, un comedor y una cocina se asientan en un lado, mientras que un muro de armarios hace de pantalla para un dormitorio con un baño contiguo.

“Un inteligente uso de la carpintería y aberturas de altura completa permiten un espacio de flujo libre y una generosa área”, dijo ArchiBlox.

Fuente: arq.com.mx

Firma Gerencia RED

Casa de hormigón plegado y persianas de madera

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El diseño se centra alrededor de dos cajas de hormigón alargadas, vueltas perpendiculares entre sí y apiladas muro con muro formando una “L” en el plan que sólo toca el suelo a lo largo de dos paredes de los cimientos y pilares apoyando el volumen superior.

Situado en una duna en la costa bonaerense cerca de Buenos Aires, Argentina el arquitecto Luciano Kruk ha creado una sencilla casa de vacaciones que respete las condiciones ambientales únicas, al mismo tiempo que ofrezca en su totalidad las funciones necesarias de una casa.

Grandes extensiones de paredes de cristal envuelven los espacios que de lo contrario serían abiertos haciendo que el interior se sienta más como un espacio exterior, abriéndose directamente a la vegetación circundante y disfrutando de toda la luz natural del sol. El tercer material presente en toda la casa se refleja en las persianas verticales de madera rítmicas que recubren las fachadas transparentes de la casa, proporcionando sombra adecuada, sin comprometer la visión o sentido de la apertura.

La forma de la estructura en sí tiene el doble objetivo de reducir al mínimo el contacto con el sitio y formar marquesinas en patios al aire libre, también señalando la entrada principal. En un sitio midiendo 20m por 50m, la planta baja contiene las funciones sociales así como un dormitorio de invitados en un extremo de la casa. Las escaleras situadas en la intersección de las dos formas conducen a las habitaciones más privadas en el segundo nivel, disfrutando de mejores visitas a los horizontes.

Ubicación: Costa Esmeralda, Provincia de Buenos Aires, Argentina
Arquitecto: Luciano Kruk.
Colaboradores: Arq. Belén Ferrand – Ekaterina Künzel – Federico Eichenberg – Pablo Magdalena – Andrés Conde Blanco
Área del sitio: 1.000 m2
Superficie: 150 m2
Año de Construcción: 2014
Fotos: Daniela Mac Adden

Quinta da Baroneza: Casa construida con escombros

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La intención de los arquitectos era que el edificio pasará desapercibido desde la calle. Por ende la topografía del terreno era de vital importancia. Así es que fue esta misma la que dio el punto de partida para la primera forma de la vivienda.

A modo de reforzar la “sostenibilidad” del proyecto, los arquitectos de la oficina de Arthur Casas eligieron utilizar maderas locales. Que además servían para dar a la casa un acabado natural y a su vez minimalista.

Los inmensos ventanales inundan el interior con luz natural, reduciendo la carga de energía total del proyecto, mientras que las terrazas abiertas y las persianas horizontales proporcionan mucha sombra mitigando la ganancia solar excesiva.

El interior de la vivienda propuesto refleja la búsqueda de soluciones informales y sin pretensiones, con un lenguaje atípico de casas de campo.

El resultado es un ambiente contemporáneo, pero simple y fácil de mantener.

Arquitectos: Arthur Casas
Proyecto: Quinta da Baroneza
Ubicación: São Paulo, Brasil
Año: 2010

fuente: arq.com.mx

Sentimental Billionaire Steve Wynn Takes Home Jeff Koons’ Stunning ‘Popeye’ for $28 Million

By: Kristin Tablang

Steve Wynn nabbed one of Jeff Koons’ ‘Popeye’ sculptures for a cool $28 million, after placing the highest bid at Sotheby’s Contemporary Art Evening Auction last week.

An avid art collector, the casino mogul reportedly plans to install the 2,000-pound Popeye – immortalized in his signature macho man pose, clutching a can of spinach – at Wynn’s Las Vegas casino.

According to Alexander Rotter, co-head of contemporary art at Sotheby’s, “Popeye represents the beginning and the end of pop art.”

Koons’ gleaming, 6.5-foot tall rendition of the beloved cartoon character is a three-of-a-kind piece thoughtfully crafted by Koons – an indisputable master of creating oversized sculptural works, who has created an assortment of sculptures, from giant balloon dogs, to toy trains and tulips.

Believe it or not, Wynn’s winning bid is not the highest price one has ever paid for one of Koon’s pieces. Last fall, the legendary artist’s “Balloon Dog” became the most expensive work ever sold by a living artist when it was sold for $58 million at a Christie’s auction.

Fuente: hauteresidence.com

Barcode Room: Departamento experimental adaptable

17131-4El espacio “Código de Barras” (Barcode Room), diseñado por los arquitectos japoneses de Studio_01, es un departamento conceptual compuesto por muebles/muros que se mueven libremente de un lado a otro, permitiendo que el usuario personalice el tamaño del espacio para adaptarse a una variedad de usos.

Cada dispositivo es una combinación de la selección de 12 tipos de componentes que conforman una sola barra. Del mismo modo, cada barra contiene el mobiliario necesario para dar lugar a un tipo de función en específico.

Dependiendo de la combinación de los componentes, se pueden crear diferentes espacios, como la sala de estar, la cocina o la barra para dormir. De la misma forma en que cada objeto en una tienda tiene su propio código de barras, cada uso de la vivienda tiene su propio diseño, o código de barras. La composición de los diversos componentes en diferentes barras, así como su posición, permite al usuario crear su propia colección de códigos de barras para su vida cotidiana.

Además, cuando los muebles son retirados de las paredes, aparecen “ventanas” a través del espacio, conectando las zonas a través de grandes aberturas.
La calidad dinámica del tamaño y la continuidad cambiante del espacio genera un sentimiento de conectividad que parece ampliar virtualmente la pequeña superficie.

Arquitectos: Studio_01
Proyecto: Barcode Room
Situación: Primer lugar exhibition_02 — barcode room
Año: 2012

Fuente: arq.com.mx

Pinned Up: Marcel Wanders

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“Pinned Up” at the Stedelijk Museum in Amsterdam is the first major exhibition dedicated to Marcel Wanders, a Dutch designer known for products with unexpected materiality and its quirky interior.

Recognized as one of the most famous Dutch designers, Wanders has become known to the public in 1996 thanks to the Knotted Chair – a combination of high-tech materials interwoven with a traditional macramé – became the symbol of the Dutch Design in those years, thanks to the support of Droog Design.

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The exhibition is divided into three different zones: the central area black, one white that you spread around, such as a peripheral route, and a third lounge area. This division represents the duality of the designer and its production is characterized by diversity and discovery.

During an interview on the opening day, Wanders tells how this bipolarity has accompanied his career and personal development as a person and designer. “We have divided the exposure in both left and right hemispheres,” he confides, “in the white area, rational, educational try to show a side of the world analytic area is positive that adds beauty to people’s lives. Another way of looking at the same world, though, “says the designer,” shows us a universe where things are less rational, a place of dreams and doubts, perhaps, a place sometimes sad and painful. These two worlds are both important and present in my life. “

The exhibition begins with a crossroads, where the visitor is asked to make a choice, starting with the light or the darkness, as if to subconsciously divide the audience between dreamers and thinkers.

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The white zone is in turn divided into 10 topics, including crafts, fiction, innovation, archetypes and the change of scale. Here you can find, arranged in a linear layout and classic, some classic pieces such as the Knotted Chair, the Egg vase, chandelier Zeppelin and Lace Table, but also the most daring experiments such as the Airborne Snotty Vases, vases printed in 3D from virtual models of mucus produced by sneezing.

In contrast to this bright space, which almost reminds a showroom, the black area instead introduces a more personal and experimental work consisting of the most impressive scenery and theatrical. In this area it is clear the intent to create an immersive space, like an underwater journey through mysterious objects, such as lamps worn by half-naked women (three static performance performed in occasion of the opening), giant rotating heads and a soundscape and abstract perhaps a bit ‘pushy.

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In this area there are also works in more technological as the Wallflower Virtual Bouquet and Interiors, a series of seven dynamic pictures presented for the first time on this occasion, representatives and imaginary digital environments, enriched with a few pieces of Wanders and in some cases not intended for production.
The last area, lounge area, offers visitors the chance to finally discover catalogs and advertising campaigns related to capital Wanders as creative director, highlighting some of his collaborations with other big names in the industry such as Jasper Morrison and the brand Moooi, of which he is a co-founder.

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“Pinned Up” represents 25 years of Marcel Wanders, an event interpreted by the designer as a milestone and the end of a chapter, the beginning of a journey towards a new direction. “I watched a lot of my past in the past two years because of this show,” he says Wanders, “and I think it’s a very important moment for me, after which I will have to cut some things. In ten years I’ll be likely to split our projects between those who came before or after this event. “

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The exhibition occupies the basement of the new extension of the Stedelijk and symbolizes the enormous variety represented by his work, from experimental materials and craftsmanship redundant decorations and sculptures out of scale. The study Wanders himself is responsible for the design of the stands, which is why you were expecting maybe the most impressive scenery and unpublished.

In this diversity, it is hard to find a common thread, but Marcel reassures us in this quest confessing that the leitmotiv of this story is that when he and his curiosity led him. It is interesting to see how Wanders through this route, despite the commercial success of some of his works, interior has not abandoned the search for materials and his ironic approach to product design. The exhibition, however, leaves the visitor with a desire to learn more about the process that led to these experiments in an attempt to understand aspects of craft and material only superficially in the exhibition.

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In addition to being the largest exhibition dedicated to Marcel Wanders, “Pinned Up” represents a return to the design of the Stedelijk that the recently re-opened in September 2012, it was mostly focused on the scope of art. Curated by Ingeborg de Roode “Pinned Up” is the result of a decade-long collaboration, and will be open until 15 June 2014.

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Until June 15, 2014 Pinned Up: 25 Years of Design Stedelijk Museum Museumplein 10, Amsterdam

Fuente: domusweb.it